/ DECONSTRUCCIÓN IN SITU, de Cynthia Cohen

SOBRE EL PROYECTO

“La propuesta para intervenir el edificio Donna Magna es realizar dos obras, una pintura al óleo y una estructura/objeto colgante; la deconstrucción de la pintura es la idea regente. Tomé una de las búsquedas del movimiento cubista, que es la transcripción del volumen al plano o de un cuerpo en el espacio a un plano, y para eso había que deconstruirlo, romperlo.”

SOBRE CYNTHIA COHEN

1969, Bs As, Argentina. Egresada de la Escuela Nacional Prilidiano Pueyrredón, cursó estudios con Laura Batkis y realizó talleres con Pablo Suarez, Marcia Schwartz. Entre numerosas exposiciones individuales y colectivas tanto en el país como en el exterior, se destacan” PanDulce”(2019) Galería PastoBrasil, BuenosAires “Naturaleza, refugio y recurso del hombre” en CCK (2017), “Futuro brillante” en Galería Van Riel (2016), “El resplandor” en PrismaKh, (2015), “Obra reciente” en Galería del Paseo, Lima (2014), “Monumentos ingravidos” en Galería del Paseo, Punta del Este (2014), “Una accion para la amistad” en Centro Cultural Recoleta (2014), “Penetración en el medio“ en Museo Macro, Rosario (2013), “Candy Crush” en Fundación Esteban Lisa (2013), “Deforme” en CC Ricardo Rojas (2012), “Poderosa Afrodita” en Museo de la Mujer, Córdoba (2011), “SynchroNYcity” en Consulado Argentino en Nueva York (2011) y “Sin palabras” en CC Recoleta (2008). Algunos de los premios obtenidos incluyen la selección de su obra en el Premio Banco Central (2015), Premio Primera Selección Fundación Banco Ciudad (2000), Primer Premio Distinción Alianza Francesa (2000) y Primera Selección Premio Universidad de Palermo (1999).

/ EL MISTERIO DE LA LÁGRIMA, de Leonardo Damonte

SOBRE EL PROYECTO

“El proyecto titulado “El misterio de la lágrima” que presento en esta cuarta edición del premio Azcuy 2022, se basa en la creación de una pieza tridimensional constituida por varias decenas de piezas autónomas, formadas, a su vez, por cuerpos geométricos armados con materiales genéricos como hierro, madera, objetos y distintos artefactos lumínicos. Dichas piezas están montadas tanto en el suelo como colgadas desde el techo, y dialogan entre sí constituyendo un discurso estructurado como un gran relato.”

SOBRE LEONARDO DAMONTE

Nace en Mercedes, Pcia de Buenos Aires, 1978. Es Profesor Superior en Artes Visuales. Cursó Seminarios de posgrado en el UNA. Durante su trayectoria artística, participó en numerosas muestras individuales y colectivas desde 2004, entre las que se destacan: 4ta edición de Currículum cero, Galería Ruth Benzacar (2005);  exposición individual, Galería Sicart, Barcelona (2007); Under construction, 2da edición del Open space, en el marco de la 17ª edición de ArteBA (2008); 7 Vision violentades en Galería Sicart, Barcelona (2010); XV Premio Klemm (2011); proyecto Sueño de fiebre en Galería Fiebre, Patio del Liceo (2012);  Premio Braque en el Museo de la UNTREF  y Sueño de fiebre en Galería Zavaleta Lab. (2013); Horizontes de deseo, Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia, Mar del Plata (2014); Workplace en Miranda Bosch, Motorhome en NN Galería y El futuro ya llegó en CCK (2016); Futuro volátil en Casa Naranja, Cordoba; Untitled Art fair, Miami , Miranda Bosch Gallery (2018); Sueño de Fiebre en el Centro de Arte de la UNLP. La Plata. Primavera cero, MUBA, Resistencia, Chaco (2020) y Proyecto Dispositivo de dialogo 1 en Fundación Cazadores (2021); La obsesión de la forma en Miranda Bosch Gallery y Primer Premio Nacional de Artes Visuales. MUBA, Resistencia, Chaco (2022). Obtuvo los siguientes premios: 1º Premio Adquisición de la Bienal de Arte de Bahía Blanca (2008), el 3º Premio del Salón Nacional, Nuevos soportes e instalaciones, Palais de Glace (2009) y el Premio Braque a las Artes Visuales, organizado por la Embajada de Francia y la UNTREF (2013) Mención de honor Premio Kenneth Kemble (2021). Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas.

/ SIN TÍTULO, de Alfredo Frías

SOBRE EL PROYECTO

“El proyecto que presento es un recorrido por los principales espacios verdes de Caballito: Parque Rivadavia, Plaza Irlanda y Parque Centenario. Me interesan estos espacios porque implican una parte sustancial de la historia de la ciudad, y por su función pública. (…) Es mi intención trabajar con estos espacios públicos para hacer foco en la convivencia, así como en la reflexión y el disfrute compartidos. El proyecto está alimentado por diferentes obras artísticas, principalmente por la obra “Sábado por la tarde en el Parque Avellaneda”, de Rosalba Mirabella, la cual ofrece la idea de recorrido que aquí continúo.”

/ ENERGÍA VITAL, de González Méndez Monserrat

SOBRE EL PROYECTO

“La obra es energía, se presenta dentro del edificio como una especie de ser vivo que va tomando posesión de los espacios comunes en planta baja. Toma sus colores de la energía del sol en el espacio de transición entre ambos edificios y la trasporta en ambas direcciones. El color en la obra es fundamental; las radiaciones electromagnéticas que emite el sol tienen espectros que son visibles e invisibles al ojo humano dependiendo de su rango de longitud de onda. Así, los colores de la pieza son los que se encuentran dentro de nuestro rango de visión; más allá, hacia un extremo y otro, ya no somos capaces de percibirlos. Los colores son reflejo de la energía del sol, se acentúan con la luz y se atenúan con la sombra. La luz le da vida a la obra e influye en cómo percibimos sus colores y las sombras que esta proyecta.»

SOBRE MÉNDEZ MONSERRAT

Corrientes, Argentina, 1987. Estudió pintura desde muy pequeña. En el año 2013 obtuvo su título de arquitecta por la UNNE. A fines de 2013 abrió GMZestudio. Con este participó en la Feria de Diseño “CASAFOA” en 2017 en la Ciudad de Buenos Aires, siendo seleccionado su diseño “BOW BENCH” dentro del “Concurso de Bancos Urbanos”. El estudio logró además la publicación de la obra “BIKE IT!”: Instalación artística capaz de generar energía” para Land Art Generator Initiative. Algunas de sus piezas de arte digital le valieron la publicación en la Edición Nº12 de FLAMANTES “Libro de Artistas Jóvenes” en 2018 en Barcelona; la publicación en la edición del “Artist Spotlight” del mes de Julio de la galería digital SQUIDINK GALLERY en California, EE.UU, el “Certificate of Excellence” otorgado por “The Latin American Fine Art Competition”, – siendo sus obras seleccionadas para la exposición organizada por Agora Gallery en White Space Chelsea, N.Y. – y el Certificado al Mérito Artístico otorgado por los miembros de la comisión artística de la Pinacotheque de Luxemburgo en el marco del “Luxemburg Art Prize 2021”.

/ SIN TÍTULO, de Ariel Mora

SOBRE EL PROYECTO

“El proyecto que propongo para esta edición del premio Azcuy se basa en la relación entre: la luz y espacio; entre diseño y arte; entre lo pictórico y lo arquitectónico. La pieza plantea un dialogo múltiple entre arte óptico, arte minimal, arte lumínico, pintura, objeto de uso, arquitectura ,materialidad, inmaterialidad. (La obra) se presenta como fantasía de un vitral moderno, como una ficción del vitral clásico, que guarda cercanía con la arquitectura y que ya se utilizaban en los templos romanos y que tuvo su gran momento en la arquitectura gótica.”

SOBRE ARIEL MORA

Egresó de la Escuela Superior de Bellas artes de Neuquén. También estudió filosofía y música concreta. Recibió la beca de la Fundación Antorchas, participó del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella y de la residencia para artistas URRA. Realizó clínica de obra con: Sergio Bazán, Marina de Caro y Jorge Macchi. Desde el año 2002 expone en argentina y en el exterior, en países como: Brasil, España, Colombia, Canadá y EEUU. Participó en innumerables muestras llevadas a cabo en: Belleza y Felicidad, Centro Cultural Recoleta, Fondo Nacional de las Artes, Galería Ruth Benzacar, Fundación PROA , Museo Nacional de Bellas Artes, Galería Del Infinito, Braga Menendez, Galería Nora Fish, Galería MITE, entre otras.

/ DERRAME, de Mónica Sartori

SOBRE EL PROYECTO

“La propuesta continúa con una línea de investigación que recoge el estudio de la observación de la materia, del volumen de los cuerpos y los límites que éstos presentan al ejercer fuerza y presión sobre ellos, en un afán de tensionar hasta el límite en donde, a través de la gravedad y el peso, se busca encontrar cierto equilibrio inestable, como si fueran envases rellenos de líquidos densos y pesados que se derraman por sobre su propia capacidad. El cuerpo que pesa, de aspecto macizo y cerrado, pareciera que se presenta justo en el instante previo a que caiga lenta, densa y orgánicamente su materia. Asimismo, a través de la utilización de materiales poco convencionales, se plantea reflexionar sobre el concepto de obra de arte escultórica, entrecruzando saberes y prácticas, enriqueciendo así el lenguaje utilizado.»

SOBRE MÓNICA SARTORI

Roma, Italia, 1967. Escultora.

Se radica en Argentina 1969. Asiste luego de sus estudios iniciales a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón donde descubre y elige la Escultura como forma de expresión.

Con el fin de perfeccionarse académica y técnicamente, asiste a talleres de soldaduria, alfarería escultórica, de dibujo con modelo vivo en la Asociación Estimulo de Bellas Artes y de escultura bajo la dirección de la escultora Mariana Siedlareck.

Victoria Noorthoorn dirige el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires desde agosto de 2013. Licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires, recibió su Master of Arts in Curatorial Studies del Bard College, Nueva York. Fue Coordinadora de Proyectos del International Program, MoMA, Nueva York; Curadora Asistente en The Drawing Center, Nueva York; y Curadora de Malba / Fundación Costantini, en Buenos Aires. Entre 2004 y 2013 fue curadora independiente y en esta capacidad realizó numerosas exposiciones en Buenos Aires, Santiago de Chile, Porto Alegre, San Pablo, Cali, Nueva York, Pontevedra, Lyon y Berlín. Fue Curadora General de la 29ª Bienal de Arte de Pontevedra (Galicia, 2006); realizó la co-curaduría, junto a Samuel Paz, de Ricardo Garabito: Una retrospectiva (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, 2007); colaboró en la presentación de León Ferrari en la 52a Bienal Internacional de Venecia (2007); curó Beginning With A Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960 / 2007 (Americas Society, Nueva York, 2007); co-curó el 41 Salón Nacional de Artistas (Cali, 2008) y la 7a Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2009); fue curadora de la retrospectiva de Marta Minujín (Malba, 2010) y Curadora General de la 11ª Bienal de Lyon: Una terrible belleza ha nacido (Francia, 2011). En 2011 fue nominada finalista en el gran certamen bianual organizado por la Menil Collection, Houston: The Walter Hopps Award for Curatorial Excellence. En 2012 fue condecorada Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura francés.

Victoria Noorthoorn dirige el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires desde agosto de 2013. Licenciada en Artes por la Universidad de Buenos Aires, recibió su Master of Arts in Curatorial Studies del Bard College, Nueva York. Fue Coordinadora de Proyectos del International Program, MoMA, Nueva York; Curadora Asistente en The Drawing Center, Nueva York; y Curadora de Malba / Fundación Costantini, en Buenos Aires. Entre 2004 y 2013 fue curadora independiente y en esta capacidad realizó numerosas exposiciones en Buenos Aires, Santiago de Chile, Porto Alegre, San Pablo, Cali, Nueva York, Pontevedra, Lyon y Berlín. Fue Curadora General de la 29ª Bienal de Arte de Pontevedra (Galicia, 2006); realizó la co-curaduría, junto a Samuel Paz, de Ricardo Garabito: Una retrospectiva (Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, 2007); colaboró en la presentación de León Ferrari en la 52a Bienal Internacional de Venecia (2007); curó Beginning With A Bang! From Confrontation to Intimacy. An Exhibition of Argentine Contemporary Artists 1960 / 2007 (Americas Society, Nueva York, 2007); co-curó el 41 Salón Nacional de Artistas (Cali, 2008) y la 7a Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2009); fue curadora de la retrospectiva de Marta Minujín (Malba, 2010) y Curadora General de la 11ª Bienal de Lyon: Una terrible belleza ha nacido (Francia, 2011). En 2011 fue nominada finalista en el gran certamen bianual organizado por la Menil Collection, Houston: The Walter Hopps Award for Curatorial Excellence. En 2012 fue condecorada Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres por el Ministerio de Cultura francés.

Alessio Antoniolli es Director de Gaswork, en Londres, donde lleva adelante un programa de exhibiciones, residencias internacionales y eventos participativos. También es Director de Triangle Network, una red internacional de organizaciones de artes visuales que trabajan para generar intercambios entre artistas y compartir conocimiento entre ellas. En 2022 fue designado Curador de Fondazione Memmo, Italia, donde programará una exhibición por año, comenzando en 2023 con una presentación individual de Wai Kin Sin. Ha brindado conferencias internacionalmente y ha sido parte de numerosos jurados, incluyendo el del Turner Prize, Reino Unido, en 2019.

Alessio Antoniolli es Director de Gaswork, en Londres, donde lleva adelante un programa de exhibiciones, residencias internacionales y eventos participativos. También es Director de Triangle Network, una red internacional de organizaciones de artes visuales que trabajan para generar intercambios entre artistas y compartir conocimiento entre ellas. En 2022 fue designado Curador de Fondazione Memmo, Italia, donde programará una exhibición por año, comenzando en 2023 con una presentación individual de Wai Kin Sin. Ha brindado conferencias internacionalmente y ha sido parte de numerosos jurados, incluyendo el del Turner Prize, Reino Unido, en 2019.

Carlota Beltrame es artista, Licenciada y Doctora en Artes, así como docente, gestora cultural, curadora y activista. Como docente, además de haber organizado un sinnúmero de talleres, ha formado desde el Taller C en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, generaciones de artistas contemporáneos, muchos de los cuales cuentan con amplio reconocimiento. Entre otras distinciones, obtuvo en 2018 el Primer Premio en el 107 Salón Nacional de Artes Visuales. Entre sus numerosos textos sobre arte, se destaca su publicación Manual Tucumán de arte contemporáneo (2014). Es integrante de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA). Entre 2000 y 2005, fue becaria y luego representante en su provincia de TRAMA, Programa de confrontación y cooperación entre artistas creado por Claudia Fontes. Obtuvo numerosas becas, residencias y subsidios, tales como las de CIA (Centro de Investigaciones Artísticas (Argentina, 2009), ARTifariti (Argelia-RASD, 2010 y 2017); DAAD, Kunstakademie Düsseldorf (Alemania, 1997) o la otorgada por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas (Argentina, 1995-1996). Su obra ha participado de exhibiciones curadas por Sebastià Miralles, Laura Valdivieso, Rodrigo Alonso, Fernando Farina, Luis Felipe Noé o Gerardo Mosquera y expuso junto a artistas de la talla de Rirkrit Tiravanija, Carlos Amorales, Toni Muntadas, Ricardo Basbaum, Roberto Jacoby, Diego Bianchi, Lucas di Pascuale, Sandro Pereira, Tomás Saraceno, Daniel Joglar o Claudia Martínez. Sus obras se encuentran en colecciones privadas y públicas, que incluyen las del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina (MNBA); la de la University of Esssex Collection of Latin American Art, (UECLAA, Inglaterra); la del MACRO (Rosario de Santa Fe), la del Museo de la Universidad (MUNT), y la del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Entre sus curadurías se encuentran En primera persona (2019), Femenino/Plural (2015), La mano, la cabeza (2009), Inscripciones invisibles (2006) o Los noventa en los 90 (2003).

Carlota Beltrame es artista, Licenciada y Doctora en Artes, así como docente, gestora cultural, curadora y activista. Como docente, además de haber organizado un sinnúmero de talleres, ha formado desde el Taller C en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, generaciones de artistas contemporáneos, muchos de los cuales cuentan con amplio reconocimiento. Entre otras distinciones, obtuvo en 2018 el Primer Premio en el 107 Salón Nacional de Artes Visuales. Entre sus numerosos textos sobre arte, se destaca su publicación Manual Tucumán de arte contemporáneo (2014). Es integrante de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA). Entre 2000 y 2005, fue becaria y luego representante en su provincia de TRAMA, Programa de confrontación y cooperación entre artistas creado por Claudia Fontes. Obtuvo numerosas becas, residencias y subsidios, tales como las de CIA (Centro de Investigaciones Artísticas (Argentina, 2009), ARTifariti (Argelia-RASD, 2010 y 2017); DAAD, Kunstakademie Düsseldorf (Alemania, 1997) o la otorgada por la Fundación Antorchas para trabajar en el Taller de Barracas (Argentina, 1995-1996). Su obra ha participado de exhibiciones curadas por Sebastià Miralles, Laura Valdivieso, Rodrigo Alonso, Fernando Farina, Luis Felipe Noé o Gerardo Mosquera y expuso junto a artistas de la talla de Rirkrit Tiravanija, Carlos Amorales, Toni Muntadas, Ricardo Basbaum, Roberto Jacoby, Diego Bianchi, Lucas di Pascuale, Sandro Pereira, Tomás Saraceno, Daniel Joglar o Claudia Martínez. Sus obras se encuentran en colecciones privadas y públicas, que incluyen las del Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina (MNBA); la de la University of Esssex Collection of Latin American Art, (UECLAA, Inglaterra); la del MACRO (Rosario de Santa Fe), la del Museo de la Universidad (MUNT), y la del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Entre sus curadurías se encuentran En primera persona (2019), Femenino/Plural (2015), La mano, la cabeza (2009), Inscripciones invisibles (2006) o Los noventa en los 90 (2003).

Flavia Da Rin (Buenos Aires, 1978). Estudió en la Universitario Nacional de Artes (UNA), ex Escuela Prilidiano Pueyrredón, durante cinco años donde se especializó en pintura. Su acercamiento a la fotografía en esos años fue autodidacta y se vio influenciado por el universo de la estética Y2K previo a la explosión del internet que se dio con el cambio de milenio. A partir del año 2001 comenzó a asistir al taller y clínica de obra de Diana Aisenberg. En el 2002 su obra fue seleccionada en el concurso Currículum Cero (Galería Ruth Benzacar).  Entre 2003 y 2005 participó de las clínicas de Guillermo Kuitca en el marco del Programa de Talleres para las Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA- Kuitca). En el 2003 realizó su primera exposición individual en la Casona de los Olivera y luego, en 2004, expuso por primera vez en la Galería Ruth Benzacar.

Por medio de la manipulación y del retoque digital, en su trabajo Da Rin fusiona autorretratos e imágenes tomadas de internet con las que compone escenas complejas y cargadas de expresividad. Con estas herramientas a lo largo de su carrera se ha puesto en la piel de numerosos personajes: ha investigado la feminidad y su estereotipo social, ha trabajado sobre la young girl como modelo de consumidor exacerbado, y ha rendido homenaje a mujeres artistas que han quedado fuera de los relatos canónicos de la historia del arte. Aunque recurre a la ficción, el trabajo de Da Rin es fuertemente autobiográfico y traza un catálogo emotivo de situaciones afectivas contemporáneas relacionadas con el consumo, la subjetividad, el deseo y el cuerpo.

Su obra formó parte del envío argentino en la Bienal de Busan (Corea del Sur, 2006) y la Bienal de Cuenca (Ecuador, 2007). Algunas de sus exposiciones individuales más destacadas son: “Quien es esa Chica?” (retrospectiva curada por Laura Hakel en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2019),  Eyes Wide Open, (curada por Julien Robson , Speed Art Museum, Louisville, Kentucky, Estados Unidos, 2008), El misterio del niño muerto, (Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 2008; Fundación La Capital, Rosario, 2011; Centro Cultural de España, Córdoba; 2012 y MAC – Museo de Arte Contemporáneo, Salta, 2012) y Terpsicore entreguerras, (Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 2014). Asi mismo realizó trabajos para su trabajo fue  trabajos para firmas de diseño como Cartier y Hermés. Su obra pertenece a numerosas colecciones públicas y privadas.

Flavia Da Rin (Buenos Aires, 1978). Estudió en la Universitario Nacional de Artes (UNA), ex Escuela Prilidiano Pueyrredón, durante cinco años donde se especializó en pintura. Su acercamiento a la fotografía en esos años fue autodidacta y se vio influenciado por el universo de la estética Y2K previo a la explosión del internet que se dio con el cambio de milenio. A partir del año 2001 comenzó a asistir al taller y clínica de obra de Diana Aisenberg. En el 2002 su obra fue seleccionada en el concurso Currículum Cero (Galería Ruth Benzacar).  Entre 2003 y 2005 participó de las clínicas de Guillermo Kuitca en el marco del Programa de Talleres para las Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA- Kuitca). En el 2003 realizó su primera exposición individual en la Casona de los Olivera y luego, en 2004, expuso por primera vez en la Galería Ruth Benzacar.

Por medio de la manipulación y del retoque digital, en su trabajo Da Rin fusiona autorretratos e imágenes tomadas de internet con las que compone escenas complejas y cargadas de expresividad. Con estas herramientas a lo largo de su carrera se ha puesto en la piel de numerosos personajes: ha investigado la feminidad y su estereotipo social, ha trabajado sobre la young girl como modelo de consumidor exacerbado, y ha rendido homenaje a mujeres artistas que han quedado fuera de los relatos canónicos de la historia del arte. Aunque recurre a la ficción, el trabajo de Da Rin es fuertemente autobiográfico y traza un catálogo emotivo de situaciones afectivas contemporáneas relacionadas con el consumo, la subjetividad, el deseo y el cuerpo.

Su obra formó parte del envío argentino en la Bienal de Busan (Corea del Sur, 2006) y la Bienal de Cuenca (Ecuador, 2007). Algunas de sus exposiciones individuales más destacadas son: “Quien es esa Chica?” (retrospectiva curada por Laura Hakel en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, 2019),  Eyes Wide Open, (curada por Julien Robson , Speed Art Museum, Louisville, Kentucky, Estados Unidos, 2008), El misterio del niño muerto, (Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 2008; Fundación La Capital, Rosario, 2011; Centro Cultural de España, Córdoba; 2012 y MAC – Museo de Arte Contemporáneo, Salta, 2012) y Terpsicore entreguerras, (Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 2014). Asi mismo realizó trabajos para su trabajo fue  trabajos para firmas de diseño como Cartier y Hermés. Su obra pertenece a numerosas colecciones públicas y privadas.

Francisco Lemus vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Es Historiador del Arte por la Universidad Nacional de La Plata y Doctor en Teoría Comparada de las Artes por la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Es Magíster en Curaduría en Artes Visuales por la misma universidad. Su tesis doctoral se titula Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. Actualmente, con una beca posdoctoral del CONICET investiga las respuestas artísticas y políticas al vih/sida en la posdictadura argentina. Publica artículos académicos y de divulgación en revistas nacionales e internacionales. Ha curado exposiciones en instituciones y museos del país. Es Curador Asociado del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Francisco Lemus lives and works in Buenos Aires, Argentina. He received his degree in Historia del Arte from Universidad Nacional de La Plata, and his PhD in Teoría Comparada de las Artes from the Universidad Nacional de Tres de Febrero. He holds a master’s degree in Curaduría de las Artes Visuales, also from UNTREF. His doctoral dissertation is entitled Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. With a Postdoctoral Fellowship from CONICET, he is studying responses to HIV/aids in post-dictatorship Argentina. He regularly publishes academic articles and pieces for journals and periodicals in Argentina and abroad. He has curated exhibitions in several institutions and museums in the country. Since October 2022 he is Associate Curator of Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Francisco Lemus vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina. Es Historiador del Arte por la Universidad Nacional de La Plata y Doctor en Teoría Comparada de las Artes por la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Es Magíster en Curaduría en Artes Visuales por la misma universidad. Su tesis doctoral se titula Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. Actualmente, con una beca posdoctoral del CONICET investiga las respuestas artísticas y políticas al vih/sida en la posdictadura argentina. Publica artículos académicos y de divulgación en revistas nacionales e internacionales. Ha curado exposiciones en instituciones y museos del país. Es Curador Asociado del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Francisco Lemus lives and works in Buenos Aires, Argentina. He received his degree in Historia del Arte from Universidad Nacional de La Plata, and his PhD in Teoría Comparada de las Artes from the Universidad Nacional de Tres de Febrero. He holds a master’s degree in Curaduría de las Artes Visuales, also from UNTREF. His doctoral dissertation is entitled Guarangos y soñadores. La Galería del Rojas en los años noventa. With a Postdoctoral Fellowship from CONICET, he is studying responses to HIV/aids in post-dictatorship Argentina. He regularly publishes academic articles and pieces for journals and periodicals in Argentina and abroad. He has curated exhibitions in several institutions and museums in the country. Since October 2022 he is Associate Curator of Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Gerardo Azcuy es el fundador y Director General de la compañía de real estate AZCUY. Es Arquitecto por la Universidad de Buenos Aires. Cuenta con más de 28 años de trayectoria como desarrollador de edificios residenciales y más de 200.000 m2 construidos en Argentina y el exterior. Su background profesional se inicia en el proyecto y la dirección de obras. Movilizado por la profunda valoración del diseño y la materialidad, investiga incansablemente los casos emblemáticos de la arquitectura contemporánea mundial, relevando fábricas de componentes para sus obras en Europa y Asia.
AZCUY proyecta, diseña, construye y comercializa arquitectura residencial, logrando un portfolio de 17 desarrollos en dos series: Serie BUILDING compuesta de 10 edificios, y el gran salto de escala con el lanzamiento de la actual Serie DONNA. Esta última, consta de 7 edificios en diferentes etapas de construcción. En su primer edificio, DONNA Terra, se emplazará la obra del artista Diego Bianchi, ganador de la primera edición del Premio Azcuy. La visión de Azcuy se apoya en cuatro pilares fundamentales: el DISEÑO CONTEMPORÁNEO, la MATERIALIDAD, los PROCESOS INTEGRADOS – de servicios y producción – que lleva adelante su equipo de profesionales, y por último, la SUSTENTABILIDAD, que representa un eje primordial y tiene un rol fundamental. Este último concepto se materializa en tres abordajes: favorecer el vínculo entre las personas y la naturaleza, cuidar el medio ambiente a partir del uso responsable de la energía en sus edificios y generar un impacto social y cultural positivo en la comunidad.

Gerardo Azcuy es el fundador y Director General de la compañía de real estate AZCUY. Es Arquitecto por la Universidad de Buenos Aires. Cuenta con más de 28 años de trayectoria como desarrollador de edificios residenciales y más de 200.000 m2 construidos en Argentina y el exterior. Su background profesional se inicia en el proyecto y la dirección de obras. Movilizado por la profunda valoración del diseño y la materialidad, investiga incansablemente los casos emblemáticos de la arquitectura contemporánea mundial, relevando fábricas de componentes para sus obras en Europa y Asia.
AZCUY proyecta, diseña, construye y comercializa arquitectura residencial, logrando un portfolio de 17 desarrollos en dos series: Serie BUILDING compuesta de 10 edificios, y el gran salto de escala con el lanzamiento de la actual Serie DONNA. Esta última, consta de 7 edificios en diferentes etapas de construcción. En su primer edificio, DONNA Terra, se emplazará la obra del artista Diego Bianchi, ganador de la primera edición del Premio Azcuy. La visión de Azcuy se apoya en cuatro pilares fundamentales: el DISEÑO CONTEMPORÁNEO, la MATERIALIDAD, los PROCESOS INTEGRADOS – de servicios y producción – que lleva adelante su equipo de profesionales, y por último, la SUSTENTABILIDAD, que representa un eje primordial y tiene un rol fundamental. Este último concepto se materializa en tres abordajes: favorecer el vínculo entre las personas y la naturaleza, cuidar el medio ambiente a partir del uso responsable de la energía en sus edificios y generar un impacto social y cultural positivo en la comunidad.

Sol Juárez es Gerente de Producto e Innovación y Responsable del área cultura en AZCUY. Desde el año 2017, se desempeña en la compañía dentro del área de Creatividad, enfocando su experiencia en el pensamiento innovativo aplicado a las diversas instancias que emergen del proceso de génesis y desarrollo de proyectos. Dichas instancias componen el universo del real estate: la arquitectura; el diseño y la moda; la búsqueda y ensayos de nuevos materiales, tecnologías y técnicas, y en relación con esto último la aplicación de criterios de sustentabilidad. Se graduó como Arquitecta por la Universidad de Buenos Aires y fue ayudante de cátedra de la materia Arquitectura Sustentable durante dos años en la misma Universidad. Tiene dos cursos en el MIT, uno sobre ciudades inteligentes y otro sobre liderazgo en innovación. Actualmente está cursando la maestría en Historia del Arte en UNSAM. En el 2015 trabajó en París, Francia, en la Agence d´architecture Anthony Bechu como Arquitecta y en el 2016 en la Bienal de Venecia de Arquitectura como Directora Creativa. Desde el 2011 y durante más de 6 años trabajó como Arquitecta en el estudio Lacroze Miguens Prati con proyectos en Argentina y Uruguay. Co-fundadora de La Pandi International, productora con la que realizó eventos en entornos culturales. Desde 2010 presta colaboración con la artista Inés White para crear esepcialidades en sus exhibiciones en distintas ferias nacionales e internacionales. También tuvo oportunidad de trabajar como arquitecta independiente con el proyecto y seguimiento de la ejecución de casas y remodelación de departamentos para clientes particulares.

Sol Juárez es Gerente de Producto e Innovación y Responsable del área cultura en AZCUY. Desde el año 2017, se desempeña en la compañía dentro del área de Creatividad, enfocando su experiencia en el pensamiento innovativo aplicado a las diversas instancias que emergen del proceso de génesis y desarrollo de proyectos. Dichas instancias componen el universo del real estate: la arquitectura; el diseño y la moda; la búsqueda y ensayos de nuevos materiales, tecnologías y técnicas, y en relación con esto último la aplicación de criterios de sustentabilidad. Se graduó como Arquitecta por la Universidad de Buenos Aires y fue ayudante de cátedra de la materia Arquitectura Sustentable durante dos años en la misma Universidad. Tiene dos cursos en el MIT, uno sobre ciudades inteligentes y otro sobre liderazgo en innovación. Actualmente está cursando la maestría en Historia del Arte en UNSAM. En el 2015 trabajó en París, Francia, en la Agence d´architecture Anthony Bechu como Arquitecta y en el 2016 en la Bienal de Venecia de Arquitectura como Directora Creativa. Desde el 2011 y durante más de 6 años trabajó como Arquitecta en el estudio Lacroze Miguens Prati con proyectos en Argentina y Uruguay. Co-fundadora de La Pandi International, productora con la que realizó eventos en entornos culturales. Desde 2010 presta colaboración con la artista Inés White para crear esepcialidades en sus exhibiciones en distintas ferias nacionales e internacionales. También tuvo oportunidad de trabajar como arquitecta independiente con el proyecto y seguimiento de la ejecución de casas y remodelación de departamentos para clientes particulares.